馮以力（1985年生於香港，香港中文大學藝術文學碩士及英國萊斯特大學博物館學碩士）居於香港，現任教於香港大學專業進修學院中國書法文憑課程及普通課程。其藝術實踐多從東方哲學角度探討人類意識起源以至觀看事物的方法，並在當代語境下觀察和實驗人類理智、身體、情感以至倫理關係，作為一種東方藝術的當代呈現。馮氏於2020年分別獲得「奧沙藝術獎」、「香港中文大學藝術文學碩士——鮮人獎」及Mellow Art Award 優等獎，2021年入圍亞洲新星獎，而其書法與當代藝術評論文章獲得「第一屆橫山書法藝術館書藝研究與評論雙年獎」藝術評論類優選。

FUNG Yee Lick (b. 1985 Hong Kong, MA Fine Arts CUHK & MA Leicester), currently living in Hong Kong, with a particular interest in exploring the origins of human consciousness and ways of seeing and understanding things from the perspective of oriental philosophy.  His works observe and experiment human’s sense, body, sensibility and ethics in the contemporary context.  Layered with reflections of the relationship between the self, life and the material world, his works seek to give voice and expression to oriental philosophical teachings in the modern world.  Fung obtained the Osage Art Award – Best in MA Show, CATCUS Prize and Mellow Art Award Second Prize in 2020 and was one of the 15 nominees for the 2021 Art Future Prize.  His art review on Chinese calligraphy and contemporary art has won the Merit Award of Hengshan Biennial Awards for Calligraphy Research and Criticism.

 

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以力學觀

 

• 處理之問題：

當藝術能包容任何媒介和行為的時候，我們還需要書寫感受嗎？更不用說書法了？
另一方面，我們書寫時，又能回歸感興才書寫嗎？
不如先擱置藝術問題、媒介問題、歷史問題，回到自身經歷和感受，重新探索自己和接觸外界。不也就是古代文人常說的感興嗎？

 

第一步：日常取材

外在
閱讀不同文本：其他藝術家的作品、非藝術範疇的書、電影、影像、新聞等等。

自身
感受身邊事物、回憶先前經驗、思考為甚麼我會特別感受這東西而不是其他、有甚麼特別。同時間盡可能採集不同物件，你不知道甚麼時候它會回應你。

第二步：觀察與思考

開放型
敏感地、漫無目的地但細微地觀察、思考周遭發生的事情（happenings），並嘗試與其他事情聯繫（association & referencing），但這種聯繫盡量天馬行空，不是已廣為接受的僵化關係。

針對型
像素描一樣，鉅細無遺地觀察、苦思及咀嚼一件事物（可以是物件、風景、影像、文字、概念、情感等等），不斷向內挖，思考它代表甚麼、不代表甚麼、它可以變成甚麼、你對它有甚麼感覺、感覺從何來、還能發現甚麼等等。

第三步：實體化意念

將先前紀錄、思考的一切都寫低，可變成關鍵詞，聯繫起來。
↓
將聯繫了的關鍵詞，實體化時以甚麼物件或影像表達？需要輔以文字嗎？（如否，則是一貫的混合媒介作品）
↓
如需要，文字需要手寫出來嗎？還是電腦字可以？是caption還是作品一部分？
↓
寫出來的話（即作為作品一部分），是怎樣寫？寫在哪裡？怎樣與其他物件對話？寫是見其他物件有感而寫還是作為一樣物件之一？
↓
在實現／處理物料的過程中，又可退一步反思這個過程的意義，重複之前的思考步驟，甚至是第一、二步，不斷來回往返，隨時可更改方向，放棄之前已想好的意念或想採取的物件，重新思考。
所謂三步可不分先後，可互相啓發，隨時重頭再來，又可中途插入。任何時候開啓這種藝術思考模式，對身邊事情保持高度敏感。

藝術失效之一、

社會運動正酣之際，不論親身參與或看新聞、直播，腦袋的運作是政治的、是希望能直接做事而帶來改變的，沒有空間、心情、思緒去創作。當時，因為學業上一定要交功課的關係，為某作品寫了個陳述如下：

* * *
2019年下旬起，我跟自己說了以下這個故事：
傳說希臘的犬儒派哲學家戴奧基尼斯一直住在一個甕裏。當馬其頓攻打雅典城時，城裡的人都各忙於抵禦外敵：有人修補城牆、有人搬石頭，而戴奧基尼斯就不斷滾動他的甕。人們問他在做甚麼，他說：「我見所有人都這麼忙，我想找點事做來顯得自己不是被閒置。」

* * *
因此，我很認同策展人周安曼於白雙全的作品集《噩夢牆紙》中的寫到「我始終相信藝術的力量在於轉換，它的進場時間應該是在［社會］運動發生的前與後。藝術處理的是心理層面的療癒、幫助人如何與社會、歷史、暴力、抗爭，以及自己和解。如果公民上街是直言，當進入藝術範疇時我們需要的是轉譯、抽離，再想像及沉澱。」
或許讓我節錄一首詩來描述這種狀態吧

「悲傷時寫不出悲傷的詩⋯⋯快樂時寫不出快樂的詩⋯⋯寫詩時的心很平靜，像遠離人煙的山間湖水⋯⋯」

─ 節錄自谷川俊太郎《回答問題》

 

藝術失效之二、

心被另一個人的一舉一動、一言一語牽引着、勾勒着，心像毛巾般被那個人扭乾。
只想睡覺、昏迷、等時間過、希望一開眼已經是末日。
生命已完全無力，莫說是創作。

 

 

FYL’s Perspective

 

• Problems

Do we need to write about our feelings when art embraces all media or action? Let alone calligraphy?
On the other hand, do we write only when we are touched?
Let’s put aside the issues of art, media and history, we shall return to our own experiences and feelings, and explore ourselves and the world again. Isn’t this what the ancient literati used to call ‘Inspiration’?

Step 1: Inspired by Daily Life

Seeking Externally
Reading different texts: Works by other artists, books on non-artistic subjects, films, images, news, etc.

Introspection
Feeling things around you, recalling previous experiences, thinking about why I feel this thing in particular but not the others, what is so special about it. At the same time, get inspired by the surroundings as much as possible, you don’t know when it will respond to you.

Step 2: Observe and Reflect

Openness

To be sensitive, aimless but with keen observation and reflection on what is going on around you [happenings] and attempt to associate & make reference with other things, but this kind of association is as fluid as possible, instead of a widely accepted and confined relationship.
Specificity
Like sketching, observing, contemplating and interpreting anything [it could be an object, landscape, image, text, concept, emotion, etc.] in great detail, digging inwards, thinking about what it represents, what it doesn’t, what it can become, how you feel about it, where it comes from, what else you can discover, etc.

Step 3: Materialising the Idea

Write down everything that you have previously recorded and thought about, which can be turned into KEYWORDS and linked together.
↓
Once the linked KEYWORDS are linked, can they be materialised in form of objects or images? Do they need to be explained by text? [if not, then it is a mixed media work]
↓
If so, does the text need to be handwritten? Or in computer text? Is it a caption or part of the work?
↓
If the text is written out [i.e. as part of the work], how is it written? Where is it written? How is it in dialogue with other objects? Is it written as a result of seeing other objects or as one of the objects?
↓
In the process of realising/processing the material, it is possible to step back and reflect on the meaning of the process, to repeat the previous steps of thinking, even the first two, to go back and forth, to change direction at any time, to abandon ideas or objects that have been thought of before, to rethink.
The above three steps could be in any order, they could be interlinked, you can start over at any time, or insert any step in midway point. This artistic mode of thinking can be activated at any time, with a high degree of sensitivity to your surroundings.

 

When Art Does Not Work (1)

At a time when social movements were in full swing, whether in person or watching the news or live broadcasts, my mind was working politically, I hoped to bring changes by doing something, and I had no time, mood or energy to make art. At that time, because I had to hand in assignment for my studies, I wrote a statement for one of my works as follows:

* * *
Since late 2019, I have been telling myself the following story:
Legend has it that the Greek philosopher Diogenes the Cynic lived in an urn. When Macedon attacked Athens, all the men in the city were busy defending themselves against the foreign enemy: some repaired the walls, others carried stones, while Diogenes kept rolling his urn. When they asked him what he was doing, he said, “I saw how busy everyone was, and I wanted to do something to show that I was not left idle.

* * *
I therefore agree with what curator Freya CHOU wrote about Pak Sheung Chuen’s Nightmare Wallpaper collection: “I always believe that the power of art is in transformation, that it should enter before and after the [social] movement. Art deals with the psychological aspect of healing, helping people to reconcile with society, history, violence, resistance, and themselves. If citizens on marches were acts of spontaneity, when it comes to art what we need is to translate, to withdraw, to re-imagine and precipitate.

Perhaps let me excerpt a poem to describe this status.

“You can’t write a sad poem when you’re sad… insofar you can’t write a happy poem when you’re happy… when you’re writing poetry your mind is calm, like a lake in the mountains far away from the crowd…..”
– An excerpt from Prosing the Question by Shuntaro Tanikawa

When Art Does Not Work (2)

My mind is drawn by one’s every single move and speech, my heart is twisted and drained like a towel by that person.
All I want to do is sleep, pass out, let the time pass, and hope that when I open my eyes it will be the end.
Life is completely powerless, not to mention artmaking.

 

 

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《對話》節錄

 

17/12/2020

老師，書法怎樣為之美？怎樣為之不美？請問有沒有定義？

哈哈, 這個簡直是論文題目。如果要簡單說的話，這個問題分了很多個層次, 而且是一個哲學其中的一個終極問題, 就是「甚麼是美」, 這又引申了一大堆問題包括: 美是主觀還是客觀? 有沒有劃一標準?美是天生/先驗的還是文化塑造的呢? 追求美是非功用的還是有功能性的? 美與真和善有沒有分別? 如美是值得追求, 那應怎樣看醜、恐怖、悲傷等等?

當然, 對於以上的美學問題, 歷史上已經有非常多和深入的討論, 我都鼓勵你們可以思考一下, 也可以多讀相關的書。目前來說, 大概的論調是雖然可能我們存在一些對「美」基因, 例如對平衡、對稱、某些顏色可能會有傾向能特別挑動審美愉悅的(即係容易覺得這樣就是「美」), 但大體的標準是由文化來定的(而「文化」受某些擁有影響這個文化的權力的人控制), 所以要出現不同年代不同地域的文化對美有截然不同的崇尚（亦有學說從進化論提出美具有維護人類物種繁衍後代的功能性）。而人類是具有抽象思考的能力，懂得將不同的價值排序，有時「美」不一定最重要，例如說希特拉的畫很符合古典美學標準，但我們情感上可能很難會欣賞它們因為希特拉不符合「善」的標準。這亦是會出現不同面目的藝術品的其中原因。

回到書法，同樣地不得跳出文化來說。可以說整個中國古典藝術的審美觀都受到了文人審美的壟斷，而且形成了相對嚴格的標準。而文人顧名思義是有思想知識的人，如果非常非常簡單來說，大概是受中國哲學儒道釋的影響而出來的審美，而三者其實都各有崇尚，雖然有時也可以調和。儒道釋三者對美都有不同詮釋：儒家成就理想人格之美、道家推崇自然無為的大美、佛家則更進一步推論不應執著美和不美，萬物皆空。因此，根據不同書法家的傾向和崇尚，例如說，體現中和、雄健、渾厚的可以關係到儒家精神，有道家意味的則看到飄逸、自然、空靈，佛家的書法就會顯得空寂、苦澀、枯索等等。當然，往往也有反叛分子極力推翻以上的審美法則，例如明代的寧醜派。這個就是我上堂說過由形（式）＜—＞意（境）＜—＞觀（念）的關係以及相互之間的影響。我借了唐代司空圖二十四詩品對詩的意境分析，每個「形」都指向不同的意境，但都皆是當時的人認為的「美」。

落實到書法技巧裡, 即是說一切的書法形式都應為了造出以上其中一個意境的美。書法形式再細拆可分為筆法、結字和章法, 就是三者不同的組合成就了書法之「形」, 進而造境(表達了「意」)的美。例如大家現在寫的玄秘塔柳體, 筆法：主要用中鋒, 著重骨, 落筆俐落、硬朗; 結字: 中宮收緊又方中帶圓, 森嚴得來又雄厚; 章法: 字與字緊扣形成整篇的張力 -> 三者組合就營造了整篇書法堅挺、莊嚴、肅穆的美。其他書法家就其他風格了, 但不外乎就是運用三個元素不同的組合來營造不同的美。亦因此關係你再上次問的問題, 為什麼學書法需要兼眾家之長, 因為美是多樣的、有不同取向的, 人因不同時間、場合或目的需要表達不同的美, 你就需要有不同的技巧和認知, 不同書家的風格成為你不同的資源給你去運用, 就可以表現不同的意境了

可能同學會問: 縱然意境的美有不同, 那書法裡有沒有一些就算差天共地的審美風格但都皆共通的美? 如果從更具體從最最最基本的技巧方面說, 其實都有的, 可以說是文人藝術的共識, 就是筆墨的質素, 也就是你們正在苦練的一些基礎。例如用筆的骨力、結字的挺拔、精神，以至章法的完整, 相對於軟弱、鬆散、懶惰等, 這些都是通用的, 比如說就算刻意求醜的某些元明清書家, 甚至表達人性瘋狂的書法(如徐渭), 以上的基本筆墨質素都是俱備的。上乘的書法永不會出現軟弱的構字、懶惰的用筆、鬆散的章法等等，可能這也是儒家的審美思想影響吧。所以如果做不了這些要求，根本也無從說起什麼意境的美了。

因此那怕不同風格不同審美觀, 目前為止通用於書法的美的標準, 就是以上說的去到最基本的元素—筆墨質素。

 

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《短文》節錄

 

4/1/2021

中國哲學思想很早很早就被理性征服，儒和道以至後來的佛都需要高度的理性來超越人內在的原始慾望而達到某種精神層面的境界，以致所謂「美」都要臣服於「善」，不能成為一種獨立價值，更遑論與肉身甚或肉慾掛勾——身體要麼是須被管束的，要麼是須被超脫的。從小到大被教不要「以貌取人」，潛台詞即是應以道德為審判人的最終標準。這不是不「好」也不是不「對」，但不是完全貼近「人性」——人內在的本能衝動往往會令我們「做不到」。以上《世說新語》所記的魏晉時期是絶無僅有只此一次對容貌肉體的眷戀表達得那麼直白不忌諱而又不沾色情。當時恰巧碰上了社會制度(主要是漢儒)的崩壞，使得「美」可以離開「善」而反有獨立審視的可能；上述提及過的例如何晏好歹是個思想家(雖然其學說未能超越老莊)，但例如衛玠這個美男子，不論文藝、學術或政治都無甚貢獻，絶不是「實力派」，但在歷史留下了純粹的、外殼的「美」。別忘了魏晉就是中國第一個「為藝術而藝術」的人之覺醒時代。

而人類又貴為人類，對肉體的美之追求又不至於完全動物性地只為了與異性交配以壯大族群，而能夠抽象地（即保持理性距離）又本能地（即情感完全親密）只對「美」本身作獨立討論。當我們能承認、容許、欣賞這種身體面容的妍美、青春、姣好之本能反應，而不用每一下都與「實力」掛勾，才能與真正的自主和解放沾上邊——更何況他和很多的他們也絶對不是沒有實力，而且還很努力呢。

 

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《自話》節錄

 

10/2/2021

有兩個搬運工人在路邊卸下一大棵桃花，一從貨車搬下來時已掃落花瓣遍地。我本想問可否幫他們逐塊逐塊花瓣黏回去，但他們已抬著桃花急步離開。

 

7/2/2021

拉下窗簾讓陽光和風做畫筆，可以坐下望著很久

 

30/1/2021

地鐵都有輕微地震

 

2/1/2021

陽光是把刀

影子在淌血

 

22/12/2020

予也不自知 – “予”和”自”被”不知”分開了, 成為了可被反思的對象, 但又應屬意識本身（以意識反思意識），東方哲學喜用”神”來稱呼這塊屬於自己又不像自己的區域。它一閃即逝，只能有前反思經驗活動裡看到某些痕跡，而這個活動姑且稱為「書法」吧。

 

5/12/2020

「壯志肌餐胡虜肉

笑談渴飲匈奴血」

 

文字也不避忌它的殘暴與變態

並且被置於高度精煉和純粹的形式當中而達致終極的美

文字既將人類別於禽獸，文學更代表人類文明的巔峰

但又可以同時承載動物性的野蠻

 

為了表達對文學形式美的崇敬

我用恭敬的心、精良的小楷寫這兩行

彷彿電影裡常見的那些衣冠楚楚滿有文化修養的納粹德軍軍官

 

1/12/2020

看書畫真蹟就是看物料的真實，即不同的墨和紙/絹/綾或其他物料及其之間的反應關係作為「存在的現實」之真實。目前為止拍照和影像印刷也不能複製物料的真實（印刷品也自成另一種物料），真蹟不能被取代的原因在此。

只有真蹟才能令常言道之墨五色之乾濕濃淡枯、漲墨、墨化、紙墨相接處仿佛有毛、墨光如漆⋯⋯以至筆力的強弱、疾澀、遲速等等成為可能，成為可見而可感的存在現實，而不是虛妄之言。

所以以上說的在上面拍的照片全部看不到，變成絕對平面。

 

4/11/2020

發生了的想極力抹去, 只會愈抹愈黑

就算擦爛表皮, 也要顯露筋骨

 

14/10/2020

書法與素描的關係是甚麼？當較刻意地要創作「作品」時，尤其是現代風格的那些，我往往會先「起稿」——無可否認硬筆是極方便，讓我可以隨時信手拈來在紙上畫呀畫。如此一來，書法被推向繪畫多一點，但當然草稿與真的用毛筆和墨來寫的時候距離還是很大，相對於西方傳統繪畫的sketch放大成油畫成品之間的準繩度。無他，因為紙筆墨這工具組合實在太難控制，而且還有太多外在因素（身體與意識間的不連接、空氣濕度對墨的影響等等），更顯佛家「無我」之說，一切皆因緣（所有成立條件），「我」的自主部分很少。在這層面上，書法（書寫）還是跟傳統繪畫有分別的。